Reportajes

El material de esta página puede ser utilizado, nombrando la fuente. Gracias.

Recopilación y Selección en construcción:

Marzo 2013  Proyecto Lupa. Museo P. de Bellas Artesa Emilio Caraffa MEC Córdoba.

28 de Febrero 2013 Ciudad X, suplemento del diario la Voz del Interior. Por Javier Mattio, Córdoba

…”La retrospectiva de Anahi Cáceres en el Museo Caraffa repasa una obra conceptual preocupada por los rituales ancestrales y contemporáneos.

Es curioso hablar de “retrospectiva” en relacion con la muestra que Anahí Cáceres expone por estos días en el Museo Caraffa, aunque el término esté en su mismo nombre: “De la misma Matriz, una mirada retrospectiva” es antes que nada una megainstalación que cuestiona toda la linealidad temporal, y donde la mirada hacia atrás, hacia el origen, es la misma que se proyecta hacia el futuro, en un juego de espejos que altera las percepciones temporales (y espaciales) convencionales.

Así, las referencias rituales tribales y las culturas precolombinas…..sirven a su vez como herméticos simbolismos de la revolución tecnológico-social-cultural que implantó Internet a partir de la década de 1990, y que la artista exploró desde su proyecto-web arteuna.com y también cuestionó desde su obra, donde las redes son mencionadas como un espacio de libertad comunitaria pero también como un nuevo y más sofisticadio medio de control.”…

Reportaje realizado para la nota:

1)      ¿Creés que la retrospectiva del Caraffa abre la posibilidad de echar una “nueva luz” sobre tu obra, de entenderla de otra manera, o funciona más a modo de una antología? ¿Qué sensación y opinión y reflexión te merece el término “retrospectiva”, en qué medida creés que opera esa síntesis de tus trabajos?

Esa palabra aparece en el título “De la misma matriz. una mirada retrospectiva”, por que un día estabamos hablando con una amiga de esa línea imaginaria que relaciona todo mi trabajo, casi dos décadas en Córdoba y 23 años en Buenos Aires. Y todo ese tiempo estuvo presente la “misma matriz”, una idea que va y viene pero está en el fondo de todo.

Una mirada retrospectiva, es como hacer un paseo por la memoria desde afuera, relacionar etapas, detenerse un momento para proyectarse en el futuro. Fue una necesidad personal, poder armar esta síntesis

2)      Has sido pionera del arte conceptual local en un medio que no suele priorizar el conceptualismo. ¿Sentís que la retrospectiva viene en ese sentido a hacer justicia sobre tu trayectoria cordobesa? ¿Cuál fue la razón de tu ida a Buenos Aires? ¿Cuál fue tu experiencia (personal, artística) allá? ¿Crees que debiste dejar Córdoba para lograr la “consagración”?

Se que estoy mas cerca de lo conceptual, pero nunca he querido estar definida en ningún género o disciplina de este modo pude sentirme más libre y probar distintos lenguajes y soportes. Por eso he querido traer a Córdoba la etapa que aquí casi no se ha visto, los 23 años de trabajo en Buenos Aires, y el por qué está completamente ligada a lo anterior. Pero también quiero llevar esta muestra a otras ciudades para que se vean justamente esas raíces, precisamente estoy intentando hacer una pequeña gira como hice en el ’98 que comenzó en el Caraffa después fue al Centro Cultural Rougés de Tucumán y terminó en el Recoleta de Buenos Aires.

Vine a Buenos Aires por dos razones, una por que me encantaba, Desde el año ’73 viajábamos a dedo con Julio, el papá de mi hijo para ver las muestras que en esa epoca no llegaban a Córdoba. Y la otra, para dar otro giro, otra etapa en la vida, como ya lo había hecho cuando tuve que dejar mi infancia en Chile.

3)      ¿En qué medida la cultura mapuche es más un elemento autorreferencial en tu obra o un lenguaje que deconstruís a tu antojo, como una manera de desidealizar todo “origen”? ¿Hasta qué punto hay una relación, digamos, personal y sentida con la cultura aborigen, y hasta qué punto esa relación está mediada por la racionalidad del arte, la ciencia, la semiótica?

El interes por la cultura mapuche lo tuve a través de mi padre que es chileno, pero además de eso, descubrí que estudiándola, de alguna manera entendía un poco más de lo escencial en todas las culturas. Por que al conocer la etimología de las palabras, descubrí que más allá del significado, podía hacer operaciones comparándolas con otros lenguajes, y acercarme a los mecanismos que los seres humanos -de todas partes del mundo- desarrollaron para expresarse y producir culturalmente.

De este modo todas estas lecturas, experiencias, el interés por la semiótica o sobre arte y ciencia -de formación familiar-, me aportaron mucho material que de alguna manera confirmaron los conceptos que sólo adivinaba.

4)      Fuiste una de las primeras artistas en interesarse por Internet. ¿Cómo surgió ese interés? Y ¿Por qué creés que Internet es una suerte de nueva matriz, de nuevo origen….., como lo plantea tu obra YIWE-YIWEb? ¿Cómo ves hoy a las redes y sus posibilidades artístico-política-reflexivas después de dirigir arteUna durante casi dos décadas? Finalmente ¿Cuál es tu propia relación con Internet, a un nivel más personal?

 El lenguaje e internet tienen mucho que ver, me interesó por que era un nuevo tipo de comunicación poderosa que estaba disponible para cualquier proyecto interdisciplinario y creativo. Pero a su vez el Hipertexto, era comunicación y producción multimedial. Una herramienta muy especial para todas las inquietudes del arte contemporáneo.

A su vez, YIWE-YIWEb de abril 2001, es casi una invocación para la toma de conciencia sobre el peligro que significa cuando esta herramienta se transforma en instrumento de poder mediante el control absoluto de las personas. Es una observación metafórica entre el ritual comunitario y este nuevo espacio de interacción social.

En cuanto a las redes sociales, creo que se comportan como todo grupo social. Profundas o banales, de cada persona depende que sea algo interesante y entre todos arman la gran red, y pienso que cada uno debe saber el significado que tiene aportar a esa gigantesca y anónima construccion.

A nivel personal estoy permanentemente conectada a internet, lo uso mucho y actualizo los blogs de arteuna y la docencia, pero aún no entré a esas redes, – es que no soy demasiado sociable-.

5)      Es interesante, en las series Archivos del tercer milenio o Arqueología del tercer milenio, la sugerencia a nivel tanto imaginario como material de una temporalidad extrañada: tu obra parece señalar que el origen, lo ancestral, está en el futuro y no en el pasado. A la vez, lo “futurista”, lo nuevo, aparece como algo ligado a un pasado ominoso, precolombino. La muestra del Caraffa inclusive parece funcionar como una gran mega-instalación destinada a alterar el espacio-tiempo del espectador a nivel sensorial y también conceptual, y a activar esa “anamnesis” de la que habla Lyotard. ¿Por qué esas yuxtaposiciones temporales? ¿Cómo operan tus obras en relación al tiempo (y al espacio)?

Es cierto, hay una intención de manipulacion imaginaria con respecto al tiempo y el espacio. Esa advertencia en la anamnesis -traer a la memoria- que habla Lyotard-, está presente en Arqueología del 3º milenio, una serie de fin de siglo en los años 90′ al 96.

También está en Archivos del 3º milenio, pero aquí, la yuxtaposición de sonidos juega un papel importante para crear esa alteracion que dices, por que pareciera que hay varios niños de distintas edades, y es una sola niña creciendo en el tiempo!, mi nieta Matilda y el tiempo simultáneo.

Las dos series tienen mucha relación, de la advertencia al resguardo. Pero hay casi 20 años de diferencia entre una y otra.

Siento que cuanto más futurista parezca algo referido al origen mas extenso se percibe el tiempo, y todo es un pasado imposible de conocerlo a fondo. Tal vez así, tenga otro sentido esa ínfima intervencion de cada ser humano, tanto en el espacio como en el tiempo.

6)      Junto a esta noción alterada de tiempo-espacio aparece también la noción de religiosidad, de espiritualidad, como en esos objetos rituales luminosos, primarios como los talismanes de un museo antropológico pero a la vez urbanamente efímeros y (pos)modernos como lo es la luz de neón. ¿Qué es lo que te interesa del fenómeno religioso, del orden de lo sagrado? ¿Por qué invocás esa solemnidad en tu obra? ¿Hay, a su vez, cierta espiritualidad en lo contemporáneo, o lo del neón es más bien una ironía?

Si, supongo que pretender alterar la percepcion de tiempo-espacio tiene que ver con ciertos estados que intuyo son espirituales, no religiosos. Por que creo que puede haber alguna experiencia de este tipo cuando con la tecnologia se cruzan los límites entre lo cotidiano y lo extraordinario; siempre y cuando haya alguna idea que no sea la del mero asombro o disfrute del consumo comercial.

Yo pienso que lo solemne está marcado por afectaciones exageradas, mejor diría que generalmente invoco un tipo de silencio o vacío que paradójicamente llevan a percepciones de inmensidad.

En cuanto al neón, es un dibujo hecho con un material que me decía luz. Y esto me pareció poético, como de una humanidad del pasado y del futuro a la vez.

7)   En el fondo, tu obra parece estar preocupada ante todo por la imagen y el signo. Ni las tecnologías del presente ni las culturas ancestrales responden a una “época” o a un “origen”, hasta las ramas y el papel que usás en las esculturas pierden toda pretendida naturaleza “artesanal” para convertirse en otra cosa, en artificio, en pensamiento.

¿Es esa pérdida cultural de la inocencia la que quisiste simbolizar en el video “Paisaje” de la serie siglo XXI? ¿Qué queda después de la (auto)conciencia de saber que todo es signo, que no hay referente? ¿Es esa comprensión liberadora o también alienante?

La imagen y el signo están involuntariamente a pesar de todo. Aunque en el último video que es un homenaje a Baudrillard y a Borges hay un amanecer que se hace cada vez menos visible y termina en un amanecer sonoro, sin imagen.

Me parece muy acertada tu mirada, por que no hay referencia a epocas y un origen podría estar tambíén en el futuro. Las esculturas son un artificio que buscan un no material. Una artesanía ancestral, algo vegetal o animal. O todo eso a la vez.

En la video instalación “Siglo XXI, Paisaje”, se plantea una realidad de tremendos cambios, la perdida de la inocencia en los niños, el referente es nuestro presente, y no se si la conciencia de esto es liberadora, pero tal vez evite alienarse.

8)      La instalación gráfica “Instrucciones para aprender del mal del sauce” es quizás la obra más esperanzadora de tu producción, ¿hay allí un “mensaje” encriptado sobre una suerte de salvación posible ante la vertiginosidad (tecnológica, natural) del presente?

Es cierto, El mal del sauce es un dicho esperanzador que se aplica a muchas cosas. Lo escuché por primera vez en el Delta del Tigre: allí una pequeña rama caída de un sauce puede crecer como un inmenso árbol. Las ganas de vivir, la fuerza vital y arraigarse.

Pero tambien esta obra tiene un significado particular: Ese árbol que está representado en el plotter existe y está en el jardín de mi casita en el tigre. Para hacer espacio, hubo que cortarlo y para que no muriera -probando el dicho-, se plantó al revés. El árbol creció tan grande como los otros pero con una nueva y hermosa forma de arbusto.

De todos modos mi obra no tiene una intención mística, no soy religiosa tampoco. Sólo documentan una determinada percepción del mundo.

9)      Tras haber atravesado épocas muy distintas del arte argentino, ¿qué reflexión te merece actualmente el conceptualismo y, a grandes rasgos, el llamado arte “contemporáneo”, donde todo convive? ¿Qué artistas actuales te estimulan?

A partir de los 90′, el uso de las nuevas tecnologías hizo cambiar profundamente el concepto de arte contemporáneo y por lo tanto creo que las disciplinas y sus términos para analizarlo, tambien deben modificarse con profundidad. Creo que hay que nombrar nuevos parámetros relacionados con la transdisciplina y los multimedios.

Para mí es tan estimulador un texto teórico, como la música, la danza, la poesía o el cine. Creo que el arte contemporáneo es todo eso. Y cada vez hay más artistas que producen obras interesantes aunque no se los conozca demasiado. El ultimo que me maravilló fue Berndaut Smilde, el holandés que creó una verdadera nube adentro de una galería.

15 de junio 2008- Periódico SUR. “Internet, un universo de mujeres y hombres. Ciberfeminismo: Nuevas tecnologías utilizadas como espacio de debate”

Por Noemí Cohen

La comunicación y el intercambio participativo en la web han creado grandes comunidades que producen contenidos con opinión y protagonismo. A su vez, aportan múltiples escenarios donde la producción cultural en la red alcanza un alto grado de difusión. Este fenómeno es aprovechado por el movimiento de mujeres y sus organizaciones comienzan a hacer uso de las tecnologías para difundier ideas y convocatorias. La tecnología informática se treansforma en uno de los instrumentos organizativos de los movimientos sociales.

El chat, foros o mailing list son elegidos por las mujeres para generar espacios de contacto donde se intercambian ideas y debate. Estas listas de correo creadas con enfoque de género son temáticas, focalizadas y destinadas a usuarias definidas- activistas y especialistas-. Brindan servicios profesionales, como asesorías o información.

…..

Libertad Vs Control. El ritual de la comunicación.

Anahí Cáceres, artista visual y directora de arteUna.com, creado en 1996, nos dice: “es una página en cuyo nombre se juega el concepto del arte contemporáneo como múltiple y diverso, masculino y femenino, plural y singular”, explica la artista sobre el origen del nombre de este sitio que cuenta con más de 9 mil archivos y la participación de 500 artistas y teóricos de todas las disciplinas.

Cáceres presentó en Nueva York una performance llamada YiIWE-YIWEb. “El Yiwe – explica Cáceres- es un recipiente ritual que en lenguaje mapuche relaciona el espacio y el tiempo. Yi: plano, liso y profundo; y We: Joven, nuevo, origen, un objeto a partir del cual se propone hacer de la web un acto de comunicación comunitaria y ritual, con el fin de contrarrestar el peligro de un control desmedido del sistema de poder a través de Internet”. Y : “Sabemos que cada día acceden miles de nuevos “navegantes” que aportan a esta herramienta, intercambian, consultan contenidos, pero es por Internet que también podemos estar siendo vigilados, controlados y dirigidos, tal cual lo planteara como un visionario George Orwell en su libro 1984, escrito en los años de posguerra y reeditado en las distintas versiones televisivas del programa Gran Hermano.

2008 Críticadigital . Deserción en el IUNA

Desde el año 2000 por primera vez en Buenos Aires se inscriben anualmente más de 1500 estudiantes, llevados por la necesidad de optar una oferta académica artística con grado universitario.

Pero estos inscriptos no saben bien lo que buscan por que vienen de un secundario donde no se informa adecuadamente a los que sienten vocación creativa. No conocen a los artistas locales.

Este año se intenta modificar un sistema de ingreso que evite una deserción lenta y se resuelva atendiendo a lo que realmente les interese y lo que la institución puede ofrecer.

Es por eso que también hay que modificar un plan de estudios demasiado exigente para una carrera que en Argentina, sin una decisión política cultural no se apoya a sus artistas.

Los medios destacan sólo el Arte extranjero, la mentalidad popular  opina que los artistas no producen nada rentable – hasta pensar que hay que cerrar esta institución- y sumado a la falta total de apoyo empresarial hacen difícil pensar que al final de la “carrera” estos 1500 estudiantes podrán realizar sus objetivos.

2007.Interview: Anahi Caceres Agricola de Cologne (AdC) interviews Anahi Cáceres (AC)

..Anahi Cáceres is living and working as a multidisciplinary artist in Buenos Aires/ Argentina….

10 questions—>

AdC:
You belong to an art scene using new technologies, you are an active representative of a genre dealing with Internet based art, called “netart”.
When those artists started who are active since a longer time, the education in New Media was not yet such advanced like nowadays, often they came form different disciplines and had an interdisciplinary approach, those young artists who start now have partially this more advanced education, but rather not much experience in other disciplines.

Ver texto completo /more

http://weblog.nmartproject.net/index.php?blog=11&p=366&more=1&c=1&tb=1&pb=1#more366 Selft portrait , Interview 08 05 06

Publicación:  Página de la Dirección General de Museos Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires 2005

Entrevista a Anahí Cáceres (sobre la Muestra Siglo XXI, Paisaje . Centro Cultural Recoleta 2005)

“La belleza y la armonía es transgresión en estas épocas de horror”
Nos introducimos espontáneamente al mundo de la artista plástica desde su itinerario de vida. Lo que nos llevó a descubrir su infancia en Chile, luego, su paso por Córdoba durante su adolescencia y años de formación, hasta que en 1990 se radicó finalmente en Buenos Aires. Entre sus creaciones figura el novedoso diseño del sitio web de Museos de Buenos Aires, que mereció en el 2003 la mención especial en los Premios Eikon, otorgados por la Revista Imagen.

– ¿Qué relación hay entre el espacio físico y la producción artística?

Creo que el espacio físico siempre es un factor que determina de algún modo todo tipo de producciones, situaciones, costumbres, culturas. A su vez, todo espacio es intervenido por las personas que lo ocupan. Por lo tanto hay una interactuación entre el entorno y el artista que hace a su identidad.

– ¿Qué diferencia hay entre la obra desarrollada en Córdoba con la que hizo aquí? ¿Hay un antes y un después?

El antes y el después siempre son diferentes en la vida. En el devenir, los proyectos, las búsquedas tienen sus propios tiempos en el que se desarrollan, recibiendo diferentes aportes pero siempre siguen su impulso original. En 1984 inicié una investigación sobre culturas primordiales que fundamentó todo mi trabajo hasta el presente. Claro que esto fue modificándose con el tiempo, abarcando temas relacionados pero diferentes, entrando en cuestiones más generales. En 1990 al llegar acá ya tenía varios años de trabajar en distintos lenguajes y soportes con un tema específico que seguí desarrollando.

– ¿A quiénes admira?

Admiro a muchas personas, artistas, científicos, escritores, si tuviera que decir 10 de ellos diría Leonardo, Einstein, Ghandi, Chaplin, Miró, Gaudí, Paul Eluard, Picasso, John Lennon,J.L.Borges, Samuel Beckett, Laurie Anderson, Prigoyine , me pase!

– ¿Qué es y desde dónde surge la “inspiración”?

De una idea, de una relación, de millones de sinapsis, la clásica “inspiración” es casi un mito romántico acerca de La Idea que aparece como pensamiento generador de otras “ideas” y (r)evolucionando otras más, para conformarse en otra realidad. La “inspiración” tiene que ver con el hálito creador de la vida (inspirar) y el mundo de las ideas donde se encuentra todo lo creativo en estado de posibilidad. Para que esa posibilidad se efectivice tiene que haber, además, una decisión.

(museos)

2004 Revista ArsOmnibus. Entrevista a Anahí Cáceres

Carmen Beatriz Paz

Me encuentro con una mujer amable, humilde y desde su cordialidad puedo recorrer este nuevo trabajo de Anahí Cáceres denominado Pulsión y Secuencias. Es una muestra digital-collage que se expone hasta el 30 de julio en 180º Arte Contemporáneo, Espacio de Arte FILO. Anahí me invita a conocer su obra, iniciando nuestro recorrido en el video que se expone al fondo de la muestra.

El comenzar por ese medio el recorrido es entender su obra. Observo que cada una de las mini secuencias de video tienen un separador común: la cinta de Moebius y le pregunto si su ideal es mostrar un movimiento hacia el infinito. Anahí responde que su idea fue marcar ese movimiento, que surge desde su trabajo en la computadora y que luego lleva al video hasta que al fin se imprime y cuelgan en las paredes de la Sala.

Anahí, en esta muestra, se aparta de sus temas anteriores que estaban más próximos a sus orígenes. Me cuenta que de sus orígenenes impregna sus anteriores obras, en las que una inquieta artista incursiona en todas los medios que posibilita el arte. Así, usó la tela, la escultura, la instalación, la perfomance para expresar su voz a través de lo que permiten estos diferentes soportes.

Esta muestra usa un nuevo soporte: el video y la imagen impresa. El video expresa con más claridad el movimiento, vertiginoso, con secuencias, marcando ritmos musicales que parecen variar entre la poética del artista, la soledad del ser, el ritmo que sugiere el color el cual parece diluirse como una preciosa acuarela.

El camino a recorrer se inicia en Pulsión, una serie de imágenes digitales por ejemplo, un soporte de papel dividido en cuartos, parte de rostros, parte de cuerpos, otro: parte de la muñeca que es Alicia, o parte de la mujer que “está sola y espera” en un dintel que muestra la profundidad de esta soledad. Son exponentes estáticos de esa visión que nos invita el video. Es como en la fotografía, que capta un momento del tiempo y lo estatiza. Pero en la pared opuesta, la artista imprime las Secuencias del movimiento, pared duchampiana que expresa, tal como el genial artista del siglo XX en su Mujer descendiendo las escaleras, cómo se puede captar el movimiento en la repetición continuada del disparador fotográfico.

En estas secuencia hechas en color y en blanco y negro, volvemos a repetir la visión que nos produce el video, pero aquí el ojo puede detenerse, pulsar el disparador del voyer con los tiempos que cada uno de nosotros podamos sentir. Captamos una fuerza de expresión, que con más serenidad, nos vuelve a sugerir Anahí Cáceres. La danza nos recuerda los ritmos introducidos en el video. El giro de Alicia: el ensueño del artista expresado en su obra. Los colores puestos con la sutileza y la transparencia de la acuarela. Dialoga cada una de sus secuencias entre sí en el rostro solitario, en las piernas de los bailarines, en los colores acuarelados, en la hermosa fantasía de Alicia y nos propone un interrogante: ¿qué es la realidad y qué es la ficción?

Es una muestra que introduce espacios abiertos para que, como toda Obra Abierta, se deje leer y sentir desde todo punto de vista.

Salgo muy conmovida al terminar esta entrevista y agradecida a una artista que no usa el pedestal para presentarse.

 

2003_ DIORAMAS «Preguntillas para Anahí Cáceres»
por *mint*

2003-  IFIPAI (Instituto de formación, Investigación y Producción en Arte Impreso).

Nuestra crisis económica ha ocasionado una situación límite, donde se evidencia una falta de seguridad en todos los proyectos. Esto nos hecho ver que la creatividad juega un papel decisivo para el desarrollo de la cultura. La inventiva, el riesgo y la satisfacción de crear a pesar de todo es una respuesta y la única salida.

Todos sabemos de la importancia de las tecnologías digitales tanto en todos los medios profesionales, como en las artes gráficas contemporáneas, pero también sabemos que ahora es una tecnología sólo para el 1º mundo.

Aún así los artistas se reúnen, aún así se buscan estrategias de investigación, producen, exhiben. Pero sobre todo: se reflexiona.

Técnicas de la Gráfica contemporánea, Fotografía digital: Un nuevo modo de idear

El artista “escanea” un ambiente, en secuencia y tiempo lineal. El artista borra de la “memoria” una idea que no fue, el artista intercala imágenes de otras secuencias de tiempos. Esto ya no es Fotografía.

Es un registro para analizar, para descubrir, para encontrar y para manipular en el instante mismo que se tiene en la pantalla. Es lo más parecido a la Idea.

La tecnología digital es para el artista un juguete rabioso. En el proyecto de la Idea se corre el riesgo de nunca concretarla, de solo ser idea.

Si el artista se encuentra con la materia misma de la idea , que hacer con ella si no es papel?, si no es cuerpo? Tal vez sólo dejarla ir y venir, mutar y multiplicarse en distintas mentes, soportes y objetos. Tal vez estamos ante una clase de obra que aún no comprendemos, se llama futuro.

2001 Interview DCVT – Franklin Furnace Fundation NYC 2001

2001 DCTV Downtown Community Television Center. Anahí Cáceres interview for Yiwe Yiweb, Live art in Internet. Craig Renoid

 

2000 El Elefante en el Bazar . Por J.A.ENTREVISTA : ANAHI CACERES.

A.C: El Grabado es una disciplina que nace con la época de la imprenta y con el interés de difundir la obra de arte, y a partir de eso comienza todo un mercado de arte, que es el mercado del múltiple, el mercado de la copia, el mercado de la obra barata en el sentido de que como no es un original o un “único” se pueden abaratar costos y la gente puede acceder a tener un original porque está firmado.

El concepto de Grabado viene de ahí; las técnicas de grabado tienen que ver con la impresión, tienen que ver con la prensa, tienen que ver con los adelantos técnicos del momento, desde la imprenta hasta ahora.

Si Gutemberg hubiera tenido una computadora, obviamente, también la hubiera utilizado .

C: ¿Cómo el medio del momento?

A.C: Claro, es la tecnología del momento. Los grabadores utilizan una tecnología de punta que no estaba destinada al arte, sino a la difusión de la teoría, a la difusión del pensamiento, a la difusión de las noticias, los afiches, el comercio incipiente; y el artista de esa época utilizó esa tecnología, se apropió de esa tecnología para darle un uso artístico, que es el Grabado o la difusión masiva de una obra de arte; y ahí nace el grabado. El Grabado que conocemos nosotros . Porque antiguamente, se hacían grabados no con esa intención, con otras intenciones, se hacían grabados en piedra, los orientales hacían grabado en madera, en Canadá hay grupos étnicos que trabajaban la piedra como elementos expresivos.

El Grabado, a partir de esa época, cuando se instaura como disciplina artística- comercial, empieza a tener sus reglas, empieza a tener sus límites, consensuados por supuesto, pero empiezan a ponerle límites, a decir: “.. tiene que tener una tirada de…”, incluso  hay medidas estándar y precios estándar de grabados en todas partes del mundo, se sabe que un grabado  de Picasso,  si mide tanto por tanto y si es una tirada de tanto, vale aproximadamente tanto; y todo eso es una cuestión comercial que no tiene nada que ver con Picasso, tiene que ver con el marketing de todo esto; esa es la parte que a mí no me interesa del grabado.

Yo he hecho grabado muchos años, pero nunca hice series, nunca edité grabado, o sea yo no tengo ediciones numeradas de grabado, siempre fueron «pruebas de artista».

A mí me interesó siempre el otro lado del grabado, me interesó la la multiplicidad de la imagen como recurso expresivo, sobre todo la xilografía: el blanco y negro, los contrastes; también hice aguafuerte en su momento.Y  monocopias con técnicas libres, estarcidos.

Entonces la computadora es como una cosa natural, una necesidad natural, no fue una herramienta novedosa para mí, para ver que se puede hacer…

C: Pasaste primero por todo lo otro…..

A.C: Claro, además pintura, objetos, escultura, todo a la vez, yo siempre trabajé distintas disciplinas a la vez.

La computadora  me resolvía un problema de tiempo y de desarrollo de la obra, era como una cosa necesaria, no era una herramienta nueva para probar; era algo que tenía que ver con lo que yo estaba haciendo, y conceptualmente también porque yo nunca quise hacer copias idénticas, no me interesó jamás eso, nunca lo hice. Cosa que en la computadora podés hacer, porque con un archivo podés hacer millones y millones idénticas, o  millones y millones semejantes, es la cuestión de la obra abierta, la obra que nunca se termina, la idea; la obra de arte como idea activa que se va nutriendo a sí misma, y se va reciclando y va creciendo, muta, se modifica.

Eso es lo que a mí me interesó siempre del grabado, y lo m que la computadora me dió.

C: ¿Vos decís que, en cierta forma, una estampa tradicional se asemeja a todo esto?

A.C: La estampa no es para mí lo que me acercó al grabado; o sea, sí en cuanto a las posibilidades expresivas, el relieve, la presión, la cuestión del blanco y negro en la xilografía, (color hice muy poco),es decir, plásticidamente siempre me gustó la xilografía y yo nunca quise imitarla con  tinta, me gustaba el efecto de la presión del taco en la prensa….., y eso me fue llevando hacia otras técnicas, entre ellas la monocopia, en donde empecé a jugar técnicas mixtas,  la posibilidad de juntar todo a la vez: la pintura con el dibujo, con las  imágenes de esculturas.  hacía un dibujo y ese dibujo pasaba a ser una monocopia y de la monocopia pasaba a ser pintura en una técnica mixta….

C: Y ahora, con la computadora ¿Qué características tiene tu obra?

A.C: Y…hago todo a la vez : simultaneidad, inmediatez, el concepto del espacio y el tiempo al alcvance de la mano,  una serie de cosas que son solamente del lenguaje digital, no las tiene otra herramienta.

Y eso me atrapó porque en realidad tenía que ver con mi proceso anterior: yo hacía una escultura y después hacía un dibujo y después la pintura, y aunque siempre mediaba un tiempo, siempre fue paralelo. Tengo de un tema múltiples versiones en objetos,  pintura,  dibujo,  grabado. Ahora  lo que tengo es una idea que se va autogenerando.

Y de ahí es donde me atrapa como un lenguaje especial y que tiene que ver conmigo, con mi forma habitual de trabajo, es que le encontré  múltiple.

Es un medio de expresión como cualquier otro, pero además tiene algo que no lo tiene ninguna otra herramienta: Esa multiplicidad y simultaneidad en la multiplicidad. Por Ej.: el dibujo de Jalil (Osvaldo) *, es un ejemplo de esto: él hace un dibujo de un árbol y lo pone en Internet (supongamos que sea la copia número 1 de un grabado, o un dibujo digital), el navegante lo baja a su rígido y lo modifica en Photoshop ¡ya no es el arbolito de Jalil! ¡Pero tiene parte del arbolito de Jalil! Es una obra grupal, que tampoco es grupal porque no sabés quien te lo hizo, ni sabés con que criterio; el cadáverexquisito tiene esas características, no tiene nada que ver con el grabado, es más lúdico, es otra cosa.

A él le llegan modificaciones a su mail y va armando toda una serie experimental de contribuciones de gente que ni conoce, que nunca va a saber ni porque participaron.

Acá, a partir de una imagen gráfica, vos tenés un montón de cosas: tenés animación, tenés sonido; yo con un archivo he hecho distintas versiones de la misma idea, desde un objeto hasta un vídeo.

Hay un objeto que se llama “Original perdido”**, y la idea inicial es un dibujo digital que hice de una vieira, a ese dibujo digital le hice ocho capas, el dibujo original es digital, pero la materialización está hecha en transfer, entonces cada capa que fue realizada en Photoshop : el movimiento de la vieira fue impresa en cada uno de los ocho vidrios; entonces vos lo miras de arriba y ves como volumen, pero es simulado. Antes de ésto ya había hecho pintura y grabado con estarcido de la misma idea de la vieira. Después de ésto, hice un boceto de animación y trabajé  vídeos:  La animación, pero el dibujito es exactamente el mismo que al principio, solamente que acá está puesto con otro fin, por eso se llama “Original perdido”. Además, el título cuestiona el problema de cuál es el original, para mí no hay un original y  no tiene que ver inclusive con el arte, tiene que ver con la ciencia, tiene que ver con la humanidad, tiene que ver con otras cosas mas generales.

C: ¿Podemos hablar de un “grabado digital”?

A.C: Con esta tecnología el «grabador» genera la imagen digitalmente y después la pasa a una plancha, la entinta, se sacan copias y se numeran; se  hace «grabado» ; esa es otra forma de  encarar el grabado tradicional .

Yo pienso que  Gutemberg lo que inventó fue un sistema de reproducción y la tecnología de punta era esa; pero si hubiera estado ésto también lo hubiera utilizado y el grabado no hubiera sido una copia numerada.

Aunque ahora está imponiendo una manera de limitar la multipliciad incontrolada, pero es una cuestión de honor nada más, porque vossi  me compras una obra y yo te digo: “bueno, no voy a hacer nunca más copias”, lo firmo, pero el archivo lo tengo yo en mi Disco rígido y lo puedo tener un CD  y sigue estando, y lo puedo seguir editando o modificando .

Entonces, si yo me comprometo a eso, es una manera de ir en contra de la tecnología, es ir para atrás, es negar este lenguaje que tiene la tecnología, ésto de ahora; que es el lenguaje de lo múltiple y lo simultáneo, yo a la vez trabajo un video, una obra gráfica, un CD interactivo, todo a la vez.

C: ¿Vos crees que esto tendría que reemplazar a lo otro?

A.C: No, yo creo que no. No debe reemplazarlo. Pero pienso que el arte,  no está en el átomo del objeto que produce un artista, sino en  el pensamiento, en la idea…

C: ¿Vos crees que la computadora es una herramienta más?

A.C: Es una herramienta nueva que no se ha explotado a fondo, pero que tiene un lenguaje particular que no lo da ninguna otra.

C: ¿Te parece fuera de época que hoy haya gente que trabaje con una gubia?

A.C: Hay gente que le gusta y en eso no hay ninguna cuestión. O sea, en esta época si nos atenemos al concepto original del porqué surgen las técnicas gráficas, obviamente, y vos fijate que todo lo que se refiere a publicidad ¡Ya todo es digital!. Entonces si se mantiene ésto es solamente por un gusto estético, un gusto expresivo; si hay gente que todavía le gusta eso es una cuestión de gusto y de placer y eso me parece fantástico, yo no lo desvalorizo para nada.

C: ¿Depende de cómo quiere expresarse uno?

A.C: ¡Claro! Depende de tu problemática, cual es, si es editar imágenes, series de imágenes…

C: ¿Cómo se explica que en un salón convivan ambas tendencias?

A.C: Bueno, ahí está utilizado el término grabado por aquello de la multiplicación.

C: Si yo lo tomo desde el concepto tradicional de estampa ¿Esas son estampas?

A.C: Es que sí, para el grabador  son estampas, porque una imagen digital, se imprime en una chapa, se pasa al ácido y después se pasa por la prensa y es igual.

C: ¿Pero las obtenidas de la impresora?

A.C: Bueno, entonces no son grabados tradicionales, sí son grabados en el concepto de la multiplicidad y ahí es donde se empieza a confundir; es un cosa muy nueva, recién ahora se están queriendo poner reglas.

Ya ha salido una reglamentación,por ejemplo en Canadá, para regular la imagen digital como grabado, “Un archivo digital de tantos píxeles, de tanta resolución, de tanta medida, tiene una tirada de tanto y unas medidas máximas y mínimas de tanto… pero a mí justamente me interesa lo que no se va a regular y justamente es como ir en contra de la tecnología misma! ¡Cortar las posibilidades que tenés! es contradictorio con la esencia del lenguaje que es muy nuevo aún.

Un lenguaje que es comunicación instantánea, es gráfica, es movimiento, es todo a la vez; no se puede decir que haya toda una teoría con respecto a ésto, se está experimentando, se están conociendo las posibilidades y el artista se está apropiando de una cosa que tampoco fue diseñada para los artistas; fue diseñada primero para la guerra, después para la informática, y ahora el artista se está apropiando como siempre ha hecho, apropiarse de la tecnología que tiene a disposición.

C: ¿Hay cierto temor o desconocimiento?

A.C: Y… recelo, pero eso pasa siempre cuando surge algo diferente; la gente que está en este otro modo de ver las cosas ataca ésto y dice que ésto no es arte y que no tiene el aura o que no tiene la temperatura de la obra, bueno, mil argumentos, pero para mí el arte no pasa por el objeto en sí, sino por como se construye mentalmente, como va evolucionando dentro de la cabeza del artista y como trasciende en la cabeza de la gente que está alrededor, en la historia contemporánea de ese artista.

C: Y vos, en este momento ¿Qué estás haciendo?

A.C: Yo en este momento estoy trabajando exclusivamente con esto, el 50 % de mí tiempo lo destino para ArteUna lo dirijo yo y trabajo yo solamente, no tengo asistentes, no tengo sponsors y lo estoy haciendo todo sola; así que estoy todos los días actualizando cosas, subiendo cosas, modificando cosas; he abierto mi taller en Internet, que es una idea que hacía rato la quería hacer pero no tenía tiempo para pensar bien como empezar la cuestión.

Ocurre que desde que tengo la computadora yo dejé de pintar, dejé los pinceles, los caballetes, la prensa, no los usé más y estaba todo el día con la computadora y haciendo mis propias imágenes y mis cosas, mis vídeos, pero dejaba algo y hacía lo otro.

Lo que yo siempre pienso de ésto es que yo tengo todo el taller puesto ahí (en la computadora), y que yo estoy acá y tengo las dos computadoras puestas en red y bajo cosas de Internet, y hago una imagen y un texto ¡todo acá!. Eso va a llevar a una inmovilidad de mi cuerpo, seguro, y problemas visuales, pero bueno son las condiciones físicas que te da éste tipo de herramienta.

Pero eso me encantó, yo diseñé ésta mesa por eso: es como una paleta, tengo todo el taller acá, el taller de imagen, los textos, la pagina, la parte de documentación, todo en éstos dos equipos; me meto en un programa, me meto en otro y es como que mi pensamiento va dirigiendo: “bueno voy a hacer ésto ahora y simultáneamente puedo estar pensando en lo otro que estoy haciendo”. Y hacía rato que yo quería abrir éste taller, no para que la gente lo vea sino para que yo tuviera eso que yo percibo, la evidencia de ésto, y bueno entonces lo puse y es un espacio de trabajo: yo acá transito, aprendo cosas nuevas, expongo mis ideas, las borro, las saco, las cambio; todo lo que yo pienso lo voy poniendo ahí todos los días.

No está para que la gente pueda participar y diga: “bueno voy a mandar un mail”, no tengo puesto nada de eso porque es mi espacio de trabajo.

……….Por ejemplo, cuando hice este trabajo que habla de la simultaneidad y los niveles de percepción (1994), todavía no tenía la computadora, pero percibía la necesidad de trabajar todo a la vez y tener un concepto de la realidad simultáneo, entonces hice varios trabajos que se llaman “Simultáneo I,” “Simultáneo II”, etc., entre ellos había un multiproyecto donde estaba la parte docente, la parte experimental, la parte de Internet que se empezó a lograr cuando largué Arteuna y después obras: hice dos instalaciones cuya propuesta era: en base a cuatro imágenes mías, de una misma época, desarrollar en tres tipos de lectura simultáneamente toda mi vida (una lectura lineal, una discontinua y una aleatoria), en donde utilicé mi propia foto para hablar biográficamente de mi vida, pero con cuatro fotos (170 imágenes). Esa es la versión Web, la versión átomo la hice en Recoleta, donde colgué las 170 imágenes con los tres tipos de lectura; y ese es el tema del simultáneo que empezó aproximadamente en el año ´94.

Y bueno, capaz que la gente crea que esto está para jugar ¡no importa! ¡a mí no me molesta!.

C: ¿Es también una manera de difundir la obra?

A.C: No sé si tanto de difundir, porque esto no se puede vender, ésto es como mostrar mi forma de pensar o sea, mostrar y no del todo ¿no? Ocultar también.

A su vez voy haciendo registros, en vez de sacar fotos voy haciendo pantallas, cómo los distintos días voy agregando o quitando cosas, se va modificando, va cambiando y hablando sobre el tiempo y el espacio, sobre la no localidad del espacio.

En realidad, esto lo que hace es mostrar de alguna manera, pero bastante íntima, esa cosa de la simultaneidad de una idea.

…….L as posibilidades son infinitas, y esa infinitud no te la da ninguna otra herramienta, y es múltiple y simultánea.

C: ¿Tiene algo de mágico?

A.C: ¡Claro que tiene algo de mágico! Tan mágico que empezás a no necesitar el objeto, a no necesitar la impresión; el objeto que vas y lo ponés en algún lado está acá (en la computadora).

C: ¿O sea que tu paso a ésto fue fluido, fue algo que no te costó?

A.C: Eso, esa es la diferencia, no fue forzado. Yo me acuerdo, no sé, hará 20 años, cuando vivía en Córdoba, salió el primer aerógrafo manual, con la carga de gas que se enroscaba: como artefacto me encantó. Yo me lo compré como quien compra el nuevo martillo más útil que el otro, o una gubia especial o un rodillo más lindo, y dije: “vamos a ver como es ésto”, y bueno, ahí sí me lo compré como “tecnología”, para probar a ver que era, ¡no lo usé nunca! ¡lo terminé regalando!, porque no tenía nada que ver conmigo. Yo dibujaba de una forma más suelta, y el aerógrafo es una cosa que no tiene nada que ver con mi forma de trabajo. Bueno, me gasté un montón de plata, porque era carísimo y se lo terminé regalando a un amigo…

C: Es como que ya lo tenías incorporado………….

A.C: ¡Claro! Yo estaba haciendo muchos transfer con fotocopias, y era ir cada cinco minutos a la fotocopiadora de la esquina, y era un caso, porque ellos conocían más mi obra que la gente que venía al taller, y al final, bueno, esto era como decir: “ya no me hace falta más la fotocopia”.

C: Solucionaste un montón de cosas……

A.C: Es solucionar esa cosa, como vos decís: infinito; que cuando vos estás haciendo algo y te lleva tiempo, se te van ocurriendo otras cosas, pero no tenés tiempo de hacerlo todo a la vez ¡no te da!, físicamente no tenés ese tiempo ni el espacio te lo da; acá sí.

Pero entonces empieza a jugar otra cosa, es decir, ya no es el objeto, es la idea; y ahí entra el concepto que habías percibido y no habías experimentado: uno percibe la simultaneidad.

Por ejemplo: yo puse allí una cita Veda , que es un texto de cómo encontrar un estado de contemplación para trascender como ser humano, para mentalizar una cosa superior, salirse de lo “ordinario”, y es una práctica donde con ejercicios metales se trata de experimentar de una forma mental la simultaneidad, cosa que es muy forzada para nosotros porque vivimos ahora y en éste espacio; o sea, el tiempo y el espacio nos acompaña y estamos acotados por eso, esa es nuestra realidad. Pero ¿que pasa cuando tu propia tecnología, (porque esto no lo trajo un extraterrestre, lo hicimos nosotros), te plantea que ese tiempo y ese espacio es otro, no es éste, que es uno u otro que está ahí y que es igualmente real que éste?, la cabeza sigue diciendo: “sí, esto ya lo percibía, pero ahora lo estoy manipulando”, más la multiplicidad instantánea de decir: “esto lo uso acá, acá y acá y lo mando por Internet…..”, son cosas que van más allá del objeto artístico, es otra cosa, y eso e lo que a mí me atrae.

C: ¿Es romper con todos los límites?

A.C: No es que uno los rompe, se rompen solos. Por ejemplo, la gente generalmente cuando accede a ésto lo primero que hace es escanear su propia obra, manipularla en Photoshop y después hacer pruebas de impresión ¡Y me parece bárbaro! Porque es la manera de entrar desde tu expresión. Bueno, yo también hice esas cosas, escaneé grabados, los empecé a procesar; hasta que empecé a darme cuenta que podía generar cosas sin necesitar mi obra anterior, que mi obra anterior estaba en la cabeza, estaba en mi idea, y yo tenía que bajar todas esas ideas a una cosa que no era en átomos, que no tenía cuerpo, no tenía objeto, que está ahí, ocupa un lugar y existe. Por eso hablo del “no lugar”.

O sea que si tiene relación con el grabado, lo tiene desde el momento de que es una tecnología que nace quizás con las mismas intenciones que las técnicas de grabado. En ese sentido tiene que ver con él, tiene que ver con la multiplicidad, pero no en lo otro; y yo creo que hacer que lo digital cumpla las funciones del grabado tradicional es llevarlo para atrás.

Hay gente que elabora la imagen en forma digital, luego la baja a la chapa y va al ácido, es decir, vuelve a hacer manual lo que comenzó en forma digital y a mí me parece válido, pero no es el sentido con que yo lo uso.

Es otra forma más de trabajar; ésta tecnología está para que se use, no para que vos cambies tu forma de vida,; ahora si te cambia la vida tanto mejor.

Y o creo que, justamente, lo que tiene el artista es la posibilidad de que cada aprendizaje, cada cosa nueva, lo que hace es abrirle puertas; te abre puertas para entender cosas que nunca vas a terminar de entender, pero te va abriendo puertitas y puertitas y vas penetrando en un mundo cada vez más profundo y si se quiere más confuso, pero más rico; en cambio si vos te quedás en una y……. no me parece mal, pero no es mi forma; a mi me interesa hasta enterarme de las cosas de la física, investigar en terrenos que no son propiamente de los plásticos.

C: Crecer en todo sentido…..

A.C: Claro. La primera vez que agarrás Photoshop te volvés loca y no te querés levantar de la silla.

C: Pero ¿No lo tomás como una moda?

A.C: Yo creo que sí, ahora sí es un boom. Ahora todo el mundo va a hacer algo digital, todo el mundo va a estar haciendo éstas cosas, pero no sé si todo el mundo va a entenderlo. Justamente lo que estoy viendo es que están queriendo regularlo: ¡ah! Porque si es digital tiene que ser generado, no escaneado……, está empezando a poner límites para crear una disciplina y yo no estoy de acuerdo con eso.

Las primeras discusiones que yo tuve con un colega que hacía retoques fotográficos con Photoshop, fue porque el quería definir lo que era arte digital, y por ejemplo, descartaba todo lo que fuera escaneado; arte digital era todo lo generado en la computadora, y yo me negué. Es increíble que una cosa que todavía no se ha terminado de explorar ya la estén limitando, ya la estén queriendo rotular para crear una disciplina cuando esto es, justamente, la antidisciplina.

C: ¿Es cómo cerrar los caminos antes de tiempo?

A.C: ¡Es que es lo contrario a la disciplina!, es lo multidisciplinario, entonces no podés encasillarlo como disciplina: “Arte digital”, ¿Quiénes son los artistas digitales? ¡no sé quienes son! Son artistas que ocupan un medio que tienen ahora a mano y que les da esa posibilidad; pero acá el sistema siempre trata de rotular, porque es la manera de absorber las cosas, sino no las entiende.

C: ¿De controlar?

A.C: Claro, es la única manera que tienen de controlar, sino se les escapa, no entienden nada, y bueno, esa es su versión. Pero bueno, yo creo que eso es lo peor que se puede hacer, y más con una cosa que recién se está empezando a mover.

C: ¿Qué creés que pasa en las escuelas o facultades de arte con respecto a todo éste tema?

A.C: En el IUNA la primera idea que se tenía era crear la carrera de multimedia, yo trabajé tres años ad honorem junto con otra gente para diseñar la carrera, porque estaban las máquinas, porque iban a traer toda la tecnología y hubo tanto problema que al final el proyecto no se hizo; sigue adelante el IUNA pero la carrera multimedia no está hecha, ni ninguna materia, ¡nada!. En Córdoba tampoco, se quiere hacer un laboratorio pero todavía no está hecho, en ninguna parte hay. Funcionalmente, académicamente no hay en ningún lugar en la Argentina.

Justamente hubo problemas acá con el IUNA, que se tomó la escuela y sigue tomada la Pueyrredón, y es porque se cuestionó que la intención de que la intención con todo ésto de las multimedias, esos profesores tradicionales que tienen su puesto desde hace treinta años enseñando color ¿viste? dijeron: ¡no! se va a transformar en un shopping y ¡qué tecnología y computadoras!; ¡se armó!. Es un problema muy serio que todavía no está solucionado. Fue tan serio que se frenó ese desarrollo que venía fácil, porque había posibilidades de tenerlo y ahora está frenado.

C: …..Y es como quedarse en el tiempo…

A.C: Y claro. Ahora me mandan un mail preguntándome donde puede hacerse un postgrado de esto ¡en ningún lado!, en la Argentina en ningún lado.

Nosotros propusimos un seminario de postgrado en la Cárcova pero no se hizo porque no hay tecnología y no hay quien la pague. En cambio en Tucumán se está empezando a armar y fijate vos que es la gente que viene del grabado, la gente de grabado lo entiende más. En Tucumán la cátedra de grabado ha creado el laboratorio en donde hicieron el primer CD que hay en el país sobre grabado y es lindísimo; un CD interactivo: vos lo bajás, lo mirás y bueno, es nada más que información ¡pero fue hecho en la cátedra de grabado! Y es un paso muy grande que acá no se ha dado, ni en Córdoba tampoco. En Córdoba están insistiendo, hay gente que hace como tres años que está insistiendo para montar un laboratorio y todavía no tienen nada.

La cátedra de grabado es, por lo general, la única que accede a esto; cuando caés en la cuenta desde el grabado es más fácil que desde la pintura o la escultura; el grabador que es amplio lo entiende, al pintor le cuesta mucho, pero el grabador sí lo entiende porque sabe lo que es la multiplicidad; pero le falta la otra parte: la simultaneidad, que en eso no ha tenido experiencia.

C: Mi intención es aportar algo para ampliar la visión…

A.C: Yo creo que sí y además se está dando en mucha gente muy joven; inclusive la mayoría de la gente que yo he tenido dirigiendo tesis, la mayoría de la gente que está interesada en esto viene de grabado. Están más capacitados para entender las técnicas mixtas que significa la interdisciplina, porque el grabador sabe de pintura y sabe de dibujo, de las dos cosas, no está tan cerrado y sabe las técnicas experimentales porque se ensucia, prueba, porque hace fotocopias…

C: toma más cosas

A.C: Si se quiere es más libre en su técnica, pero lo que es libre en su técnica el sistema lo controla con la numeración, la edición, el tamaño, el precio, el papel, el gramaje, que ésto, que aquello y se acabó toda la libertad que tenía.

Pero el que se permite esa vueltita de rosca entra muy bien acá, porque es como tener un taller aquí.* Haciendo alusión a un dibujo que éste hizo introducir en la Pág. Web ArteUna , para ser modificado por los navegantes

** Ver www.ArteUna.com

1999: Red de Enlace en apoyo a los inmigrantes perseguidos Organización Mapuche Newen Tuayiñ Asociación Quechua Ayni

Adhiero completamente a la denuncia de persecusión xenofóbica que se ha desatado en estos últimos días y quisiera agregar que si bién los medios toman cualquier tema como moda, éste en particular demuestra lo que desde siempre ha existido acá y en cualquier parte del mundo.

Creo que el racismo es el factor más rudimentario del hombre, el que más se acerca a la subsistencia de los animales que luchan por su territorio a veces hasta en contra de su misma especie.

También lamento creer poco probable que alguna vez deje de serlo y con ello terminen las guerras, los genocidios que en aras de valores escenciales , nacionales y libertarios sólo atacan, degradan al pariente, al vecino, al hermano para conseguir más poder (posesiones, espacio,

substento), no es esto el mismo ejemplo de un animal ?

Promover el odio, marginar, maltratar es delinquir las leyes de convivencia social.

Quisiera ver un verdadero compromiso de parte de los intelectuales que deberían aportar para un cambio escencial en la mentalidad humana.

Quisiera que las campañas ecológicas miraran un poco más al ser humano.

Ayer habló el presidente de Ecuador comentando su campaña de defensa ecológica ; un gran espacio de reserva donde inclusive, había indígenas . (no lit). Todos los oriundos son «indígenas», un japonés, un árabe , un francés galo, un alemán germano , un ruso.

Quisiera que se revisaran los códigos de lenguaje, este país es racista con su propio pueblo, en un mismo barrio, entre compañeros de escuela.

Quisiera nuevas leyes de dignidad y derechos, por qué no hay derechos de autoría en cada artesanía ( que antes fué un objeto ceremonial, una obra de arte), en cada instrumento en cada producto cultural que compran los turistas?

Deberíamos ser más respetuosos con el pasado, con la dignidad de las culturas , con su sabiduría, con los NN de 1492 hasta la fecha .

Deberíamos pensar que hay un presente que produce. Y participar para un futuro mejor y diferente.